Juan Ramon Jiménez

¡Inteligencia, dame
el nombre exacto de las cosas!
...Que mi palabra sea
la cosa misma,
creada por mi alma nuevamente.
Que por mí vayan todos
los que no las conocen, a las cosas;
que por mí vayan todos
los que ya las olvidan, a las cosas;
que por mí vayan todos
los mismos que las aman, a las cosas...

¡Inteligencia, dame
el nombre exacto, y tuyo,
y suyo, y mío, de las cosas!
*
Yo no soy yo.
Soy este
que va a mi lado sin yo verlo;
que, a veces, voy a ver,
y que, a veces, olvido.
El que calla, sereno, cuando hablo,
el que perdona, dulce, cuando odio,
el que pasea por donde no estoy,
el que quedará en pie cuando yo muera.
*
Está tan puro ya mi corazón,
que lo mismo es que muera
o que cante.
Puede llenar el libro de la vida,
o el libro de la muerte,
los dos en blanco para él,
que piensa y sueña.
Igual eternidad hallará en ambos.
Corazón, da lo mismo: muere o canta.
*
¡Allá va el olor
de la rosa!
¡Cógelo en tu sinrazón!
¡Allá va la luz
de la luna!
¡Cógela en tu plenitud!
¡Allá va el cantar
del arroyo!
¡Cógelo en tu libertad!
*
Vino, primero, pura,
vestida de inocencia.
Y la amé como un niño.
Luego se fue vistiendo
de no sé qué ropajes.
Y la fui odiando sin saberlo.

Llegó a ser una reina,
fastuosa de tesoros...
¡Qué iracundia de yel y sin sentido!
...Mas se fue desnudando.
Y yo le sonreía.
Se quedó con la túnica,
de su inocencia antigua.
Creí de nuevo en ella.
Y se quitó la túnica
y apareció desnuda toda...
¡Oh pasión de mi vida, poesía
desnuda, mía para siempre!
(Eternidades -1918-)

Stravinsky, canciones japonesas

"En enero de 1913 terminó Stravinsly las Tres poesías de la lírica japonesa en una instrumentación para pequeño ensamble mixto, esta disposición instrumental quizá muestra el impacto de su encuentro con Schönberg. El interés por la poesía japonesa surgió en Stravinsky por su asociación con la llamada Société des Apaches, grupo de compositores, pintores, escritores y críticos de arte franceses formado a principios de 1900 en París. Entre sus miembros estaba el compositor Maurice Delage (1879-1961) quien tenía gran interés en la música indú y asiática. En ese entorno artístico en donde predominaba la atención a las culturas africana y asiática, surgió el interés de Stravinsky por la lírica japonesa. Los nombres de las tres poesías corresponden a los nombres de tres poetas tradicionales japoneses que escribían en el género Hayku, al parecer Stravinsky trabajó inicialmente con los textos en una versión rusa.Otros célebres miembros del grupo de los Apaches fueron Maurice Ravel, Florent Schmitt (1870-1958) y Manuel de Falla (1876-1946). Cada una de las tres poesías a las que Stravinsky puso música fue dedicada a miembros de la mencionada sociedad"

Claros del Bosque

"Esta obra intenta mostrar cómo crear «claros» en la conciencia para que sucedan visiones de lo que está oculto"

,

"Afirma Zambrano que «El claro del bosque es un centro en el que no siempre es posible entrar; desde la linde se le mira y el aparecer de algunas huellas de animales no ayuda a dar ese paso. Es otro reino que un alma habita y guarda. Algún pájaro avisa y llama a ir hasta donde vaya marcando su voz. Y se la obedece; luego no se encuentra nada, nada que no sea un lugar intacto que parece haberse abierto en ese solo instante y que nunca más se dará así. No hay que buscarlo. No hay que buscar. Es la lección inmediata de los claros del bosque: no hay que ir a buscarlos, ni tampoco a buscar nada de ellos». En suma, nos encontramos ante una obra que dialoga con la mística, la filosofía racionalista y la mitología, pero también con la filosofía órfica y gnóstica, y en la que la poesía juega un papel insoslayable como reveladora del ser."
                                                
                                                                                                             de Centro virtual Cervantes

Marc Chagall

Chagall dijo "El arte es sobre todo un estado del alma."

Sobrevolando la ciudad, ca. 1917

"Aquí se conjuntan dos seres alados, ingrávidos y soñantes:

Marc y Bella y Chagall . El cuadro de Marc Chagall ha capturado la imaginación de diversas generaciones y de varias culturas, lo que sugiere que ha tocado  un tema universal. ¿Cuál es ese tema? Podría ser una metáfora del amor o también del sueño o de la propia capacidad creativa del sueño. Muchos me han dicho que han soñado que vuelan; yo no he tenido la dicha de volar en el sueño ni siquiera solo y menos acompañado, pero quienes vuelan con cierta frecuencia, dicen que tienen  la sensación de una gran libertad complementada  con una alegría inefable. Marc Chagall pintó este cuadro alrededor de 1915 en su primer regreso a Rusia.

Es intensamente nostálgico de su pequeña ciudad de Vítebsk: este sentimiento lo acompañará siempre y es una de las fuerzas principales que motivarán su obra.
En el cuadro   aparecen casas con techos de dos aguas, una cabra, unas vallas que señalan probablemente caminos o veredas;  s o b re el ángulo inferior izquierdo hay un hombre en cuclillas  que no sabemos exactamente qué hace.
Este cuadro lo pintó en varias ocasiones con ligeras variantes pero siempre con el pueblo soñoliento y extrañamente vacío y con un cielo blanquecino de invierno.


Los dos seres volantes están en primer plano: Bella  extiende hacia arriba su brazo derecho en un gesto imperioso y Marc Chagall gentilmente la sostiene con el brazo izquierdo sobre su pecho.
En un momento dado parece que ella es quien vuela: él es el soñante pero ella es quizá la que vuela y lo sostiene en el aire. Tal vez el gesto perentorio del brazo extendido señala que están volando
y no simplemente sostenidos en el aire."
   Bruno Estañol de "De la imagen   a la palabra  de Marc Chagall a Juan José Arreola"


Pinturas de Marc Chagall

Walt Whitman

Cíñete a mí

"Cíñete a mí, noche del seno desnudo; cíñete a mí,

noche ardiente y nutricia!

Noche de vientos del Sur, noche de grandes y pocos luceros,
tú, que en la paz cabeceas, loca, desnuda noche de estío.
Voluptuosa sonríe, ¡oh, tierra de fresco aliento !
Tierra de árboles adormilados y líquidos,

tierra ya sin luz del ocaso, tierra de montes con cumbre de niebla,

tierra donde derrama cristales el plenilunio azulado,
tierra con manchas de luz y de sombra en las aguas del río,
tierra de límpido gris y de nubes que para mí son

más vivas y claras,

tierra de abrazo anchuroso, tierra ataviada con flor de manzano

sonríe ya, que tu amante se acerca."

Versión de Màrie Manent


Postrera invocación

"Al fin, dulcemente,

dejando los muros de la fuerte mansión almenada,
el duro cerco de las cerraduras, tan bien anudado;
la guardia de las puertas seguras,

sea yo liberado en los aires.

Con sigilo sabré deslizarme;

pon tu llave suave en la cerradura y, con un murmullo,

abre las puertas de par en par, ¡alma mía!
Dulcemente -sin prisa-
(carne mortal, ¡oh, qué fuerte es tu abrazo!
¡oh amor! ¡cuán estrechamente abrazado me tienes!)"

Versión de Màrie Manent

Miquel Barceló.Acuarelas

Las acuarelas de Barceló son espectaculares, en su colorido, en la sugerencia, en la mancha del color,
en los temas. Nos descrubre un mundo africano cotidiano  lleno de movilidad y agilidad, de tranquilidad por otro lado en la percepción ...

 

 

 

Gregorio Allegri. Miserere

"Gregorio Allegri, nacido en Roma en 1582 y alumno de Nanino y Palestrina, escribió en o alrededor de 1638 su celebérrimo Miserere, una pieza coral para nueve voces que debía ser cantada los Miércoles de Tinieblas. El Oficio de Tinieblas, relacionado para los católicos con la Semana Santa y en consecuencia con la Pasión de Jesucristo, solía celebrarse en el Vaticano el Miércoles Santo (miércoles anterior al Viernes Santo), día en que Cristo fue prendido por el poder político romano de Palestina. Se lo denomina "de tinieblas" porque, en señal de duelo, a medida que los rezos avanzaban, un sacristán iba apagando una a una todas las candelas del presbiterio hasta que la iglesia quedaba completamente a oscuras. El Evangelio según San Mateo (27:51) cuenta que, al momento de morir el Salvador, un terremoto hizo temblar la tierra ("Y he aquí que el velo del templo se rompió en dos, de alto a bajo; y la tierra tembló, y las piedras se hendieron"), por lo que los asistentes a la ceremonia, en el momento en que se apagaban las luces, comenzaban a golpear los bancos con los misales para reproducir la impresión del movimiento telúrico. Imaginamos que todo ello, sumado a las abismales voces de Allegri haciendo un progresivo piano, ha de haber sido una experiencia difícil de olvidar.


La letra del Miserere proviene de la versión de la Vulgata latina del Salmo 51, escrito según la tradición por el rey David en presencia del profeta Natán. La letra del salmo comienza diciendo: "Ten piedad de mí, oh Dios, conforme a tu misericordia: conforme a la multitud de tus piedades borra mis rebeldías".


La música del Miserere está basada, como era normal en su época, en el canto gregoriano. Lo que de novedoso le imprime el compositor es la polifonía (el gregoriano es esencialmente monódico), armonizando las voces en distintos grupos o cuerpos de sonidos. Esta forma se denomina falsobordone, y era novedosa en aquella época. El Miserere de Allegri, pues, es una de las primeras piezas corales religiosas donde se abandona el unísono estricto que caracterizaba al canto gregoriano medieval. Por este motivo, también, algunos la consideran la primera obra barroca renacentista.


Allegri alterna tres modos formales en la obra: el gregoriano estricto (o salmodia), un canto a cuatro voces y otro canto a cinco voces.


Una vez muerto Allegri, el papado hizo algo aún más novedoso: autorizó a los solistas para que improvisaran en el Miserere según sus propios gustos y capacidades. Estos solistas eran castrati (varones castrados, que cantaban en la cuerda de la soprano), altos (hombres con registro femenino de contralto), barítonos y bajos. Por esta gracia papal, durante el siglo siguiente (XVIII), el Miserere se cantaba ya en versiones muy distintas unas de otras y ciertamente muy diferentes de aquella que imaginó Gregorio Allegri.
Pero, de vuelta en el siglo XVII, el problema pasaron a ser las partituras.


La decisión que va a provocar todo el episodio fue tomada, posiblemente, por el papa León X, que reinó entre 1513 y 1521. Parece ser que este pontífice o sus sucesores consideraron que ciertas piezas sacras, por su excelencia y belleza, sólo podían ejecutarse en el Vaticano y ante la presencia del papa y los altos dignatarios eclesiásticos. Por lo tanto, ya en tiempos de Allegri, durante el papado de Urbano VIII, estaba totalmente prohibido, so pena de excomunión, copiar las partituras, entregarlas a terceros y, por supuesto, cantar las piezas en circunstancias que no fueran la "solemnidad", es decir, en Roma, en Semana Santa y ante la presencia de los superiores. Las partituras originales fueron a parar a los Archivos Vaticanos, y el magnífico Miserere de Allegri desapareció del dominio público. Ciertos autores opinan que la Iglesia –que había pagado a los compositores por escribir estas piezas a pedido- consideraba que las nuevas formas de armonía como "propiedad privada" suya o "secreto industrial", y no deseaba que las mismas fuesen accesibles a cualquiera. Si alguien quería escuchar las obras, debía esperar a Semana Santa y viajar a Roma. No había otra manera."
                                                                                     por Marcelo Dos Santos