"UN ABISMO DE CALMA ABRÍA SU NUEVA LUZ" Ernestina de Champourcin
Marta Chirino Argenta
Paco Lagares
"El himno del color
trenza un coro: ciclámenes.
Blancos,rosados, rojos,
organizan el aire
con crestas, con banderas
volanderas, tan ágiles
sobre la pompa abierta
de las rodelas.Nadie
formuló las palabras
de tan leve cantábile
pero suenan a sueño
y a sosiego en la sangre,
como los hombres cuando
convocan a los ángeles."
Antonio Carvajal del catalogo de exposición
"Como si el pintor madrileño fuese japonés, al colocar la mirada en estos cuadros tantas formas revitalizadas nos la habitan de sensaciones, de efluvios purísimos que le han llevado a dejar crecer en sus soportes un pétalo de flor, y a partir de él, con inteligencia y sencillez, ir pergeñando todas las flores como si fuesen paisajes indestructibles."
El Cultural Carlos GARCÍA-OSUNA

El Cultural Carlos GARCÍA-OSUNA
Caspar David Friedrich

C.D. Friedrich, Gran puesta de sol, 1832
Luciana Souza-canta Neruda. soneto 49
Soneto -XLIX-
Es hoy: todo el ayer se fue cayendo
entre dedos de luz y ojos de sueño,
mañana llegará con pasos verdes:
nadie detiene el río de la aurora.
Nadie detiene el río de tus manos,
los ojos de tu sueño, bienamada,
eres temblor del tiempo que transcurre
entre luz vertical y sol sombrío,
y el cielo cierra sobre ti sus alas
llevándote y trayéndote a mis brazos
con puntual, misteriosa cortesía:
Por eso canto al día y a la luna,
al mar, al tiempo, a todos los planetas,
a tu voz diurna y a tu piel nocturna.
Pablo Neruda
100 Sonetos de amor
Susan S. Bank
Campo Adentro
"Me levantaba antes del amanecer, caminaba solo por el oscuro caminito entre bueyes que andaban sueltos, esperando ese instante mágico, la primera palpitación de luz sobre las montañas . . . deseando creer en la posibilidad de la esperanza por tan sólo ese día . . . trabajando a partir de detalles burdos, sencillos y ordinarios, me propuse crear un retrato íntimo y poético de la vida cotidiana de los campesinos del barrio Cuajaní."
Susan S. Bank
"Yo era una vendedora de casas usadas en Filadelfia, cuenta Susan, una mujer que se sentía inmensamente sola y que necesitaba una manera de conectarse al Mundo. Entonces descubrí en la fotografía la posibilidad de romper mi aislamiento. Por eso el sujeto de mi trabajo comenzó a ser la gente que lleva consigo el sufrimiento. Ocho años estuve fotografiando un lugar cerca de la playa en Salisbur Beach, Massachusetts, EE.UU., un sitio al que acuden personas enajenadas y donde nada sucede. Fueron estas las primeras fotos que enseñé a mi profesor Costa Manos y al verlas comenzó a reír porque él también había estado tomando fotos allí. Una feliz coincidencia.”
Julia Uceda
Julia Uceda
Edición y prólogo de Sara Pujol Russell.
Fundación José Manuel Lara. Sevilla, 2002
/ "En el viento, hacia el mar", su poesía completa, va a facilitar a un amplio segmento de lectores la posibilidad de conocer la obra, rigurosa e intensa, de una poeta lateral de la generación del medio siglo.
En el viento, hacia el mar, título que Julia Uceda (Sevilla, 1925) ha dado a su poesía reunida, tiene vagas resonancias del que José Hierro diera a uno de sus más significativos libros iniciales: Con las piedras, con el viento (1950). No es baladí la alusión a este paralelismo. Entre otras razones, porque hay, en la obra de Julia Uceda, una doble ambición muy propia de la poesía que escribiera el poeta madrileño: una extrema preocupación formal y un aliento de fondo radicalmente humano.
Además, el hecho de que Julia Uceda haya empleado buena parte de su labor crítica y ensayística en el análisis de la obra de José Luis Hidalgo (su tesis doctoral, de 1963, la dedicó a la vida y a la obra del malogrado poeta y no hace mucho publicó una rigurosa edición de Los muertos), amigo y compañero de Hierro hasta su muerte, añade a los factores apuntados un pulso existencial que conecta su obra con la doble aspiración ética y estética que respira en la poesía de ambos autores.
EN EL VIENTO, HACIA EL MAR (1959-2002)
Julia Uceda
Edición y prólogo de Sara Pujol Russell.
Fundación José Manuel Lara. Sevilla, 2002
Julia Uceda publicó su primer libro, Mariposa en cenizas, en 1959. Aunque buena parte de los poetas más significativos de la generación del medio siglo habían dado a conocer algunos años antes sus primeras obras, no es menos cierto que, desde el punto de vista biológico y literario, Julia Uceda es adscribible a esa generación.
Es más: con María Beneyto, Angelina Gatell, Pura Vázquez o María Elvira Lacaci, entre otras, viene a configurar una suerte de constelación de mujeres poetas que expresan cierta voluntad de renovación de la poesía social. Porque ésa es la tensión inicial de la obra de Julia Uceda.
Tanto en Mariposa en cenizas (pese a ser un libro de temática amorosa) como en Extraña juventud (1962) o en Sin mucha esperanza (1966) se advierte una mirada insatisfecha, crítica, hacia el mundo y una suerte de invocación al poema como instrumento que ayude a su transformación o, al menos, a observarlo en su más descarnada realidad. Pero esa mirada, a diferencia de lo que se advierte en la más genuina poesía social de la época (Gabriel Celaya, sobre todo), tiene poderosos anclajes en la intimidad, en la experiencia cotidiana, en una religiosidad un punto escéptica ("¿Dónde está Dios? Se fue con los traperos, / se escondió en la cornisa / del templo") y en los sueños e incertidumbres de una mujer que vive un tiempo especialmente sórdido.
Los tres libros, escritos en Sevilla, su ciudad natal, componen la etapa más directamente comprometida de la poesía de Julia Uceda. En 1964 iniciará una larga ausencia de España, primero en Estados Unidos, hasta 1973, después, en Irlanda, hasta su retorno en 1976, y con ella un nuevo ciclo poético caracterizado por una mayor presencia de lo meditativo, de la búsqueda del conocimiento a través de la palabra, de lo que Sara Pujol, en su estudio preliminar, califica como "fuente invisible". También por una mayor ambición lingüística. Todo ello, sin desprenderse de la esencia solidaria de sus anteriores textos. En Poemas de Cherry Lane (1968) la poeta respira y, en parte, celebra, el encuentro con la realidad norteamericana, además de plantearse el reto de indagar en las zonas oscuras, misteriosas, del poema.
En Campanas de Sansueña (1977), escrito en Irlanda, serán la memoria y la nostalgia de España los ejes conductores del libro. Aunque en esa etapa, Uceda logra la plena madurez literaria, ésta se pondrá a prueba, de manera intensa (estética y emocionalmente) en sus dos últimos libros, Viejas voces secretas de la noche (1984) y Del camino del humo (1991). En ellos ahonda en las claves de su etapa de "exilio" y, junto a la prolongación de la pulsión metapoética, nos ofrece un imaginario en el que la memoria, el sueño, lo cotidiano y la presencia de la muerte conviven y se entrelazan."
MANUEL RICO 18/10/2003
Jan Garbarek & The Hilliard Ensemble
, Del álbum "Officium". Track "Parce mihi Domine" (Cristóbal de Morales, 1550-1553, España). Grabado en Propistei St. Gerold, Austria (septiembre de 1993). "Parce mihi Domine" es de la traducción Vulgata del libro de trabajo y cerca de los medios "Perdóname, oh Señor". El texto entero es hermoso y Morales ha creado una obra verdaderamente trascendente aquí, muy por delante de su tiempo.
(Texto en latín)
Parce mihi, Domine, nihil enim sunt dies mei.
Quid est homo, quia magnificas eum?
Quid Aut. apponis erga eum cor tuum?
Visitas diluculo eum et subito Probas Illum.
Usquequo no parcis mihi, nec dimittis mí, ut meam salivam glutiam?
Peccavi, quid faciam tibi, o custos hominum?
Quare posuisti me contrarium tibi, et factus sum mihimetispsi miastenia?
Cur non tollis peccatum meum, et quare aufers meam no iniquitatem?
Ecce nunc en dormiam pulvere, et si mane me quaesieris, subsistam no.
(Traducción Inglés)
Piedad de mí, Señor, por mis días no son nada.
¿Qué es el hombre, que debe hacer tanto de nosotros?
O ¿por qué debería configurar su corazón en nosotros?
Que nos visite en la madrugada,
y nos puso a prueba en cualquier momento.
¿Es que no me libre y me dejas,
mientras me trago mi saliva?
Si he pecado, ¿cómo he hecho daño,
O guardián de la humanidad?
¿Por qué me dejas como su objetivo,
de manera que ahora soy una carga para mí mismo?
¿Por qué no perdonar mis pecados
y ¿por qué no me quitas la culpa?
He aquí, ahora se encuentran en el polvo:
Si viene a buscarme habré dejado de existir.
El Sufrimiento
Jardines
en el olvido pintan flores.
donde pasear la nostalgia
recóndita.
Mariposas
Volved ingeniosas mariposas
a posaros en las leves flores,
revolotear franciscanas entre las cosas
quietas del pasado
libando los sabores no efímeros
sino aquellos de valiosas añoranzas
Ciclamen
Calendario de la sabiduría.Leon Tolstoi
Tomado del prólogo por Peter Sekirin

"El proceso de compilar estos pensamientos exigió más de quince años. Tolstoi empezó a escribir entre diciembre de 1902 y enero de 1903. Ya adentrado en la setentena, había caído gravemente enfermo. Mientras meditaba sobre el sentido de la vida y la muerte, tuvo la idea de empezar a compilar lo que entonces llamó Un pensamiento sabio para cada día. Cuando por fin envió el libro a su editor, Tolstoi escribió en su diario: «Tengo la sensación de que he sido elevado a alturas espirituales y morales superiores, gracias a haberme puesto en comunicación con las personas más excelsas y sabias, cuyos libros leí y cuyos pensamientos seleccioné para mi Círculo de lecturas». "
El olvido
solo
en su propio olvido
Grete Stern
"Grete Stern representó a través del fotomontaje, los sueños de las mujeres; sueños que no son precisamente idílicos sino expresiones contenidas de represión y sumisión ante la jerarquia social establecida. Un trabajo crítico y único sobre las inquietudes de las mujeres de la época en la sociedad argentina, una situación de sometimiento consentido que se puede observar en muchos aspectos de nuestro actual sistema, independientemente del género.

Fotógrafa, judía y antifascista, nació en Alemania pero se considera argentina, mientras el resto de compañeras de profesión trabajaban a la sombra de sus maridos o padres Grete se montó su propio estudio de publicidad junto a Ellen Aubermach, los encargos de Ringl+Pit mantenían el toque irónico del simbolismo de la mujer como objeto. Un punto de cinismo que les daba a sus trabajos una segunda lectura mas sutil sobre el tratamiento de la mujer como objeto en la publicidad.
“Peterhans me enseñó a crear una visión de lo que quería reproducir, antes de usar la cámara; a descubrir los valores fotográficos, o sea la proporción de blancos, negros y grises, las partes nítidas, la perspectiva, los valores plásticos y morfológicos que definen al objeto y su materia, a intuir seres o cosas que deseaba fotografiar”
“En mis fotos las cosas no están por casualidad; descubro a mi alrededor lo que me interesa y, si está dentro de lo que quiero hacer, lo registro; si no, lo corrijo y espero las condiciones que harán ver lo que quiero mostrar. Mi fotografía no es objetiva; hace ver lo que quiero que se vea”.
“Cuando empecé a trabajar en Buenos Aires, esta manera de retratar dio origen a muchas críticas. Opinaron que mis retratos eran grises, neutros, sin expresión. Para el público era una novedad que no se viera la sombra negra de la nariz en el retrato. Pero poco a poco entendieron mis retratos y tuve éxito”.
Decir: Hacer
entre lo que digo y callo,
entre lo que callo y sueño,
entre lo que sueño y olvido,
la poesía.
Se desliza
entre el sí y el no:
dice
lo que callo,
calla
lo que digo,
sueña
lo que olvido.
No es un decir:
es un hacer.
Es un hacer
que es un decir.
La poesía
se dice y se oye:
es real,
Y apenas digo
es real
se disipa.
¿ Así es más real?
2
Idea palpable,
palabra
impalpable:
la poesía
va y viene
entre lo que es
y lo que no es.
Teje reflejos
y los desteje.
La poesía
siembra ojos en la página,
siembra palabras en los ojos.
Los ojos hablan,
las palabras miran,
las miradas peinsan.
Oir
los pensamientos,
ver
lo que decimos,
tocar
el cuerpo de la idea
Los ojos
se cierran
las palabras se abren"
Octavio Paz
Noche
Ruiseñor
Gaviotas
SOROLLA______________________________________

El baño del caballo 1909. Madrid, Museo Sorolla
La luz valenciana, las gentes del pueblo y sus actividades protagonizarán sus cuadros, en los que la luz y el color - aplicado con largas pinceladas - serán los elementos principales.Su obra más importante la realiza para la Hispanic Society de Nueva York, donde decora las paredes con paneles de temática regional española.

Cosiendo la vela,1896. Venecia, Fondazione Musei Civici di Venezia
"Sol de la tarde" fue el punto culminante de la madurez del arte de Joaquín Sorolla. Todo su interés por captar los efectos de la luz natural, ambientado aquí en el atardecer en la playa de Valencia, mientras los pescadores recogen su barca

Sol de la tarde,1903. Nueva York, The Hispanic Society of America
MAR__MARIA VICTORIA ATENCIA

Foto de Pepa
" Bajo mi cama estáis, conchas, algas, arenas:
comienza vuestro frío donde acaban mis sábanas.
Rozaría una jábega con descolgar los brazos
y su red tendería del palo de mesana
de este lecho flotante entre ataúd y tina.
Cuando cierro los ojos se me cubren de escamas.
Cuando cierro los ojos, el viento del Estrecho
pone olor de Guinea en la ropa mojada,
pone sal en un cesto de flores y racimos
de uvas verdes y negras encima de mi almohada,
pone henchido el insomnio, y en un larguero entonces
me siento con mi sueño a ver pasar el agua. "
De Marta & María (1966)
En Tierra de Nadie. Carmen Conde

que pisan los que van y los que vienen,
he plantado mi tienda sin amparo
y contemplo si van como si vuelven.
Unos dicen que soy de los que van,
aunque estoy descansando del camino.
Otros «saben» que vuelvo, aunque me calle;
y mi ruta más cierta yo no digo.
Intenté demostrar que a donde voy
es a mí, sólo a mí, para tenerme.
Y sonríen al oír, porque ellos todos
son la gente que va, pero que vuelve.
Escuchadme una vez: ya no me importan
los caminos de aquí, que tanto valen.
Porque anduve una vez, ya me he parado
para ahincarme en la tierra que es de nadie.
En la tierra de nadie (1960)
Haiku- Basho. Enlace
El poeta debe abandonar sus actitudes personales.
Debe evitar que su "yo" se interponga entre los objetos
y la intuición de los mismos"
Soledad Lunar
Nísperos
Wilhelm Lehmbruck, 1911_________________________________

escultor alemán Guillermo Lehmbruck (1881-1919) es ciertamente una de las figuras cumbres dentro de la llamada escultura moderna.
Mujer arrodillada, estatua en la que se pueden apreciar algunos de los postulados pregonados por Rodin, ya que en ella se observa la acentuación de las líneas esenciales que producen el efecto de un himno sagrado. El cuello, por ejemplo, como en las figuras de los pintores de esa época, es algo más largo que lo habitual. A tal alargamiento, así como también al del torso y al de los miembros, la estatua debe en gran parte lacalidad de su gracia meditativa. Como en una Madonna del mundo medieval, sugiere un mundo de emociones invisibles pero reales, porque la innovación, en el escultor alemán, no fue tan grande aún como para arrancar al modelo del mundo de la realidad, coincidiendo una vez más con Rodin, porque acentúa las formas sin privarlas de su vivida realidad.
Este equilibrio ilusorio entre lo material y lo espiritual, o entre lo visible y lo invisible, es lo que hace verdaderamente notable la obra de Lehmbruck, cuyas figuras no reproducen exactamente la naturaleza humana, sino que la recrean, expresando las cualidades abstractas que ellas representan en su espíritu.
ROMANCES DEL CAMINO
!Si yo viera el camino!
Pero lo nublas siempre
con tu palabra hostil
y tu silencio inerte.
No sé cómo es la ruta
ni qué árboles mecen
su ramaje sombrío
para aliviar mi frente.
Nunca sé dónde voy
si sé de donde vienes.
!Quién pudiera rasgar
la niebla que te envuelve
y acercarse al secreto
que desnuda tus sienes!
Ábreme el horizonte
y el camino que crece
ante los ojos ávidos
de recoger sus mieles.
Dame una ruta clara,
donde tus huellas quemen
los hierbajos sin flores,
las raíces estériles,
lo que no sea nuestro,
lo que tu amor no acepte...
[...]
de Ernestina De Champourcin
(Cántico Inútil)
Artemisia Gentileschi
Seraphine louis de senlis, aqui on line
El siguente texto es un resumen extraído de:
BIHALJI-MERIN, Oto: El Arte Naïf, ed. Labor, Barcelona, 1978. ISBN: 84-335-7558-9; pp. 45-46
Las notas al pie son de Mercedes García Bravo.
“Séraphine Louis, algunas veces citada como Séraphine de Senlis, nació en 1864 en Assy (Oise). Jamás estudió pintura, ni durante los tiempos de su niñez, cuando fue pastora, ni posteriormente, cuando trabajaba como sirvienta.[1] ¿Cuándo empezó a plasmar con formas y colores sus sueños y sus impulsos? ¿Por qué lo haría? Sabemos muy poco del drama íntimo de su pequeño ser. Y quizás todavía sabríamos menos de su arte si el azar no la hubiera reunido con aquél hombre que, impresionado por las imaginaciones de Rousseau, seguía la huella de los modernos primitivos.
En el año 1912 Wilhem Uhde [2] se trasladó a Senlis para descansar en la paz de esa vieja y pequeña ciudad de la Ile de France, cercana a Paris y, al mismo tiempo, alejada del Barullo. Cada mañana acudía una mujer para limpiarle la vivienda. Uhde apenas se fijó en ella. Un buen día vió en una casa de Senlis un bodegón de manzanas que le llamó la atención. Preguntó el nombre del pintor. << ¡Es su asistenta Séraphine!>> Hasta ahí le había guiado el destino a ciegas. Ahora podía cuidarse Uhde de que los estáticos ramos de flores crecieran hasta convertirse en poderosos árboles de fantasía. (…)
Uhde señala que Séraphine guardaba rigurosamente el secreto de su pintura. Nadie podía mirar cuando ella pintaba, cuando mezclaba los colores y preparaba el lienzo para que todo se efectuara con perfección artesana.[3] Vivía con un recogimiento monacal en su pequeña habitación, sobre cuya chimenea siempre ardía una eterna luz a la Virgen.[4]
Pequeña, ajada, con mirada ardiente y oscura sobre su pálido rostro, pintaba en una especie de trance, como jardinero místico, los flamantes ramilletes tras los cuales se oculta la tentación de todo lo sagrado. Plantas carnales con frutos rodeados de pestañas, ornamentos foliáceos hechos de suntuosas plumas delicadamente coloreadas, en cuyo resplandeciente nervio se abren ojos. Extraña malla de susurrantes y concupiscentes ramajes con sartas de perlas compuestas por bayas del arbusto de la ternura, y umbelas estrelladas del jardín de los placeres. (…)
(…) Todas las luces y las brasas de sus sueños se apagaron un día. Entonces vagó de casa en casa y predicó el fin del mundo. Su espíritu había quedado vacío y desequilibrado. En 1934 murió en el asilo de ancianos de Clermont.[5]
Para Séraphine el arte fue como una revelación. Para ella la pintura –igual que para Van Gogh- era un acto afectivo. Era como si se redimiera mediante el acto de la creación. Con los ojos inmensamente abiertos caminaba a ciegas por la uniforme monotonía de su insignificante vida.
El ignorante mundo la tomó por la humilde sirvienta de Senlis. Pero ella había sido llamada para ver, para mirar, a través de los bastidores perecederos de lo temporal, y para anunciar la eternidad. (…)”
NORMA

Porque si los días ponen en nuestro cuerpo
una línea más una curva nueva,
y se llevan sus manos a otros cuerpos
donde dibujan otras formas
o cincelan mejor las que encuentran,
hay que olvidarse de los hechos
que van fraguando nuestra estatua.
Ir con el ánimo ágil, con la mente libre.
Todo lo que venga nuevo, olvidarlo.
Cada día un nuevo ser. Distinto,
para que el mundo del dolor añada
una llaga nueva, mientras la otra
se curó y está fuerte en su carne.
Para que la dicha florezca sin peso
sobre la fresca delicia de su llegada.
Olvidarse y ser otra. La misma siempre
en poder amar y sufrir,en esperar
y en decir adiós a la vida íntegra.
Pero no recordar a cada instante
que hubo algo mejor o peor, algo que ya no es,
y lanzárselo,cruel, a lo que quisiera
sernos bueno o malo...,¡ recién nacido
para nosotros"
Carmen Conde , de Iluminada Tierra
Im abendrot- Richard Strasus. En la puesta de sol
EN LA PUESTA DE SOL
por Joseph von Eichendorff
Con penas y alegrías,
mano a mano, hemos caminado.
Reposemos ahora de nuestros viajes,
en la tranquila campiña.
A nuestro alrededor se inclinan los valles,
ya la brisa se ensombrece.
Sólo dos alondras alzan todavía el vuelo
soñando de nuevo en el oloroso aire.
Acércate y déjalas trinar,
pronto será hora de dormir,
para que no podamos perdernos
en esta soledad.
Oh, inmensa y dulce paz,
tan profunda en la puesta de sol,
qué fatigados estamos por haber caminado.
¿Será esta, entonces, la muerte?
Una bella interpretación de esta canción con la que se despidió de la vida el genial compositor romántico Richard Strauss. Nacido el 11 de junio de 1864 en Munich. Sus cuatro últimos poemas es donde alcanzará unas cotas elevadísimas de belleza lírica. Después de la II Guerra Mundial, Strauss viaja a Suiza, y allí descubre el sugestivo poema de Eichendorff, a finales de 1946.
En mayo de 1948 ya había compuesto su música para soprano y orquesta. Por aquella época trabajaba también en tres canciones inspiradas por poemas de Hermann Hesse: Frühling (Primavera), Beim Schlafengehen (Al ir a dormir), September (Septiembre).
Tanto el primer lied de Eichendorff como estos tres de Hesse, jamás fueron escuchados por Richard Strauss, que moría el 8 de septiembre de 1949, en la localidad bávara de Garmisch Partenkirchen a la edad de 85 años.
Aunque Im abendrot era una obra independiente, después de su muerte se consideró que era un buen complemento para las tres canciones de Hesse, con lo que desde entonces se interpretaron las cuatro juntas, conociendose simplemente con el nombre de Vier Letze Lieder (Cuatro últimas canciones).
El silencio habla

"Sólo mediante la quietud interior tienes acceso al reino de quietud en el que habitan las rocas, las plantas y los animales. Sólo cuando tu mente ruidosa se queda en silencio puedes conectar profundamente con la naturaleza y sanar la separación creada por el exceso de pensaciento"
E. Tolle, de " El silencio Habla"
" La naturaleza puede llevarte a la quietud. Ese es su regalo para tí"

" A través de tí, la naturaleza toma conciencia de sí misma. Es como si la naturaleza te hubiera estado esperando durante millones de años"
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